Criada pela empresa Xicoia, que se define como o primeiro estúdio de talentos de IA do mundo, Norwood tem perfil ativo no Instagram, com mais de 33 mil seguidores, e exibe imagens em situações cotidianas, como tomar café, fazer compras e ensaiar para projetos. Apesar da repercussão, sindicatos, atores e cineastas consideram a iniciativa uma ameaça à profissão.

Foto: Reprodução/Instagram

O Screen Actors Guild (SAG-AFTRA), que representa artistas nos Estados Unidos, divulgou nota afirmando que “a criatividade é, e deve permanecer, centrada no ser humano”, classificando Tilly como apenas um produto de computador treinado a partir do trabalho de profissionais “sem permissão ou remuneração”. A associação ressaltou ainda que não há emoção ou experiência de vida capaz de sustentar esse tipo de atuação.

Alguns nomes conhecidos também se manifestaram. Melissa Barrera, dos filmes “Em um Bairro de Nova York” e “Pânico”, criticou publicamente as agências envolvidas: “Espero que todos os atores representados pelo agente que faz isso se ferrem. Que nojo, leiam o ambiente”.

Natasha Lyonne, estrela da série “Boneca Russa” e diretora do longa Uncanny Valley, disse que a ideia é “profundamente equivocada e perturbadora”, defendendo que a tecnologia não deve substituir a experiência humana.

O debate sobre inteligência artificial já vinha movimentando Hollywood. A questão esteve no centro da greve prolongada dos sindicatos de mídia em 2023, que garantiu salvaguardas contra o uso indevido de imagens e atuações digitais.

No setor de videogames, uma paralisação semelhante levou à exigência de consentimento por escrito antes da criação de réplicas digitais de atores. Ainda assim, a discussão permanece intensa. O filme “O Brutalista”, vencedor do Oscar em 2024, chegou a utilizar IA nos diálogos em húngaro de Adrien Brody e Felicity Jones, o que também dividiu opiniões.

Diante da repercussão negativa, Eline Van der Velden defendeu o projeto, chamando Tilly Norwood de “obra criativa” e comparando sua criação ao processo de desenhar um personagem ou escrever um roteiro. Para ela, a personagem deveria ser encarada como um gênero artístico próprio. “Ela não é uma substituta para um ser humano, mas uma obra de arte”, afirmou, acrescentando que o objetivo é provocar reflexão sobre os limites da criatividade.

Fonte: Alô alô Bahia / Foto: IA

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“A lição era ‘tempo é dinheiro’ e ‘é trabalho, não é brincadeira’. Aprendi antes de me tornar uma estrela.”

Quando Shirley Temple (1928-2014) foi entrevistada pela BBC sobre sua infância como superestrela, em 1989, ela vivia um segundo ato marcante na sua carreira, como diplomata americana. Na época, ela era conhecida pelo seu nome de casada, Shirley Temple-Back.

Mesmo tendo sido, um dia, a estrela mais bem paga de Hollywood, ela precisava trabalhar. A maior parte dos seus milhões já havia desaparecido há muito tempo.

“Você também salvou a 20th Century Fox da falência, não foi?”, perguntou à atriz o apresentador da BBC Terry Wogan (1938-2016). Ela respondeu “acho que sim”.

Fundada em 1915 por William Fox (1879-1952), a empresa prosperou na era do cinema mudo. Mas, quando chegou a Grande Depressão, em 1929, ela operava com prejuízo, devia milhões e os preços das suas ações despencaram.

A solução foi uma menina loira de cabelo ondulado.

Duas semanas antes de assinar seu contrato com o estúdio, Temple havia sido chamada para o elenco do filme Alegria de Viver (1934), ao lado de James Dunn (1901-1967), que interpretaria seu pai.

Seus papéis eram relativamente pequenos, mas a dupla deixou tão boa impressão que eles foram imediatamente chamados para outros filmes juntos. E Shirley Temple passou a ser a prata da casa.

A primeira incursão de Temple no show business veio quando sua mãe a levou para ter aulas de dança, com dois anos e meio de idade.

“Eu tinha tanta energia – e não tirava soneca – que ela me colocou em uma escola de dança vizinha, a menos de 3 km da nossa casa”, contou ela à BBC. “E eu iria estudar ali, sabe, aprender rumba e tango.”

Foi naquela escola que ela foi descoberta pelo diretor Charles Lamont (1895-1993) e escalada para uma série de curtas-metragens chamada Baby Burlesks (1932-1933).

Ao todo, ela recebeu US$ 10 por dia de filmagem, mas os ensaios não eram pagos. Temple não poupava críticas àquela produção.

“Ele não era um grande produtor”, contava ela. “Ele era um produtor muito barato. Fazia parte de um setor de Hollywood chamado de ‘Fila da Pobreza’.”

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Nuvens negras

Lamont e o produtor Jack Hays (1898-1975) trabalhavam para a Educational Films Corporation. Shirley Temple, então com três anos de idade, estrelou oito filmes, mas o set de filmagem não era um lugar agradável, nem para ela, nem para os outros atores-mirins que trabalhavam ali.

Ela chegou a descrever uma punição para mau comportamento no set de gravação.

“Eles tinham duas caixas de som no set e uma delas tinha um grande bloco de gelo dentro.”

“Quando qualquer um de nós se comportava mal, éramos colocados, um a um, na caixa preta para resfriar e pensar sobre aquilo”, segundo ela. “No escuro, com a porta fechada.”

“Tive muitas dores de ouvido, tive muito terçol, tive muitos problemas com aquilo. Fiquei na caixa várias vezes.”

Os pais também não eram autorizados a ficar no set com os filhos. Por isso, a mãe de Temple fazia roupas, dava aulas de representação e penteava seu cabelo todas as noites, formando os cachos característicos.

Os temas dos filmes parecem incrivelmente inadequados hoje em dia. Temple os descreveu como “princípio de filmes adultos”.

Uma das primeiras personagens que ela interpretou se chamava Morelegs Sweet Trick, um jogo de palavras em inglês com a estrela do cinema Marlene Dietrich (1901-1992).

O filme War Babies apresentava Shirley Temple com três anos de idade, vestida com uma blusa sem alças e uma fralda presa com um alfinete de segurança que parecia cômico, de tão grande.

Ela dançava para outras crianças, que interpretavam soldados. Eles brigavam por ela e lhe davam pirulitos.

Em Polly Tix in Washington, ela é uma “acompanhante” enviada para seduzir um “senador”.

Na primeira cena, ela usa sutiã e aparece lixando as unhas. Mais tarde, ela surge no escritório do senador usando colares de pérolas e diz ao bebê que interpreta o político que ela foi enviada para “entretê-lo”.

Temple registrou na sua autobiografia Child Star (“Estrela criança”, em tradução livre), que os filmes eram “uma exploração cínica da nossa inocência infantil“, além de “ocasionalmente racistas ou sexistas”.

A etapa seguinte foi uma série de pequenos papéis sob contrato com o produtor, roteirista e diretor Jack Hays. Quando ele faliu, seu pai comprou seu contrato de volta, percebendo como aquilo havia sido ruim desde o princípio.

Não muito tempo depois, um compositor que trabalhava para Fox observou Temple dançando em um salão. Ela foi chamada para um teste para o filme Alegria de Viver, que estava sendo filmado. Temple conseguiu um pequeno papel, que representou duas semanas de pagamento.

O filme partia da premissa de que a Grande Depressão foi causada pela falta de “otimismo”. Por isso, os testes pretendiam encontrar pessoas que pudessem animar o público.

Temple e James Dunn foram parceiros em uma sequência de dança. Não havia tempo para que ela aprendesse novas coreografias, de forma que ele ensinou a Dunn uma dança que havia aprendido para outra apresentação.

Imediatamente após a filmagem, ela recebeu a proposta de um contrato de um ano, com possível extensão por mais sete, por US$ 150 por semana. E sua mãe também era paga para acompanhá-la no set.

Elas assinaram o contrato no dia 21 de dezembro de 1933. Na sua autobiografia, Temple chamou aquela oportunidade de “a primeira de uma série de nuvens escuras que iriam pairar nos sete anos seguintes”.

O próximo filme de Temple e Dunn foi A Queridinha da Família, que estreou em abril de 1934. Ela também foi emprestada para outros estúdios por milhares de dólares, muitas vezes mais do que ela recebia.

Ainda naquele ano, foi lançado o filme Olhos Encantadores. Escrito especialmente para a dupla, o filme apresentava a canção que se tornaria sua marca registrada: On the Good Ship Lollipop.

Mas a Fox Studios vinha enfrentando dificuldades desde a queda da bolsa de valores, em 1929.

Em 1934, a Fox se uniu à 20th Century Pictures, formando a 20th Century Fox. Segundo a revista americana Vanity Fair, o executivo da Fox, Winfield Sheehan (1883-1945) declarou: “Eles não compraram o estúdio da Fox, eles compraram Shirley Temple.”

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Elevando o espírito

Durante o seu primeiro ano na empresa, Shirley Temple apareceu em 10 filmes. Foi um ano tão marcante que, na cerimônia do Oscar de 1935, ela recebeu o primeiro Prêmio Juvenil da Academia. Até hoje, Temple é a pessoa mais jovem a ter recebido o Oscar.

Ela provou ser uma grande atração de bilheteria para o público da era da Depressão, que procurava ver filmes alegres e otimistas no cinema.

O então presidente americano Franklin D. Roosevelt (1882-1945) declarou, sobre Shirley Temple:

“Durante esta Depressão, quando o espírito das pessoas está mais baixo do que nunca, é esplêndido que, por apenas 15 centavos, um americano possa ir ao cinema, ver o rosto sorridente de um bebê e esquecer os seus problemas.”

À medida que seus filmes passavam a ser mais lucrativos, seu pagamento também aumentava, até que ela se tornou a estrela mais bem paga de Hollywood, com 10 anos de idade.

Sua agenda de trabalho pode ter sido intensa, mas, na idade adulta, ela relembrava com carinho aquela época.

Depois de assinar o contrato com a Fox, sua mãe ficava sempre com ela no set. Aliás, uma questão importante que diferenciava Temple das outras estrelas infantis era o seu relacionamento próximo com seus pais.

Ela dedicou sua autobiografia à sua “mãe amorosa”. Mas outras estrelas-mirins não tiveram a mesma sorte.

Em 1939, a Califórnia aprovou a Lei dos Atores-Mirins do Estado, conhecida como Lei Coogan, em homenagem a Jackie Coogan (1914-1984).

Coogan nasceu 13 anos antes de Temple. Ele se tornou um dos primeiros astros infantis ao contracenar com Charles Chaplin (1889-1977) no clássico O Garoto, de 1921.

Coogan ganhou milhões de dólares, mas sua mãe e seu padrasto gastaram o dinheiro. Ele processou o casal em 1938.

A batalha jurídica levou a Califórnia a aprovar uma lei especificando condições de trabalho e garantindo que 15% do salário dos atores-mirins fossem depositados em uma chamada conta Coogan.

Temple teve sorte com seus pais até certo ponto. Seu pai trabalhava em um banco e, por isso, ele se tornou gerente de negócios da filha.

Mas ela contou à BBC que “ele saiu da escola logo depois do sétimo ano” e foi convencido a fazer maus investimentos.

“Dos US$ 3,2 milhões que eu havia recebido de tudo – vendas de bonecas, livros, roupas etc. –, eu fiquei com US$ 44 mil em uma conta fiduciária”, contou ela.

Muitos aspectos dos seus filmes não envelheceram bem. Shirley Temple contou à BBC que ela e Bill “Bojangles” Robinson (1878-1949) foram os primeiros parceiros de dança inter-raciais do cinema. Mas as cenas em que eles se tocavam, muitas vezes, eram cortadas.

Fora da tela, Hollywood costumava ser um lugar sinistro para os jovens atores. Muito tempo depois do fim da sua carreira no cinema, Temple contaria o comportamento predatório que enfrentou quando tinha apenas 12 anos de idade.

Ela se aposentou do cinema com 22 anos. Seu último filme foi O Eco de um Beijo, de 1949.

Mas este não foi o fim da sua interessante carreira profissional. Ela começou a trabalhar em relações internacionais e foi embaixadora dos Estados Unidos em Gana e na antiga Checoslováquia.

Durante sua entrevista, Temple contou à BBC que trabalhar como embaixadora em Gana “foi o melhor emprego de toda a minha vida”.

Wogan perguntou: “Você se cansou daquela música Good Ship Lollipop?

“Não”, ela respondeu. “Ela me levou muito longe.”

Leia a versão original desta reportagem, com os vídeos da entrevista de Shirley Temple à BBC (em inglês), no site BBC Culture.

Fonte: BBC Brasil / Foto: Shirley Temple tinha cinco anos em 1933, quando assinou seu contrato com a Fox Studios, que estava à beira da falência

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Sem data de estreia prevista, o longa terminou de ser produzido neste mês de outubro, em Nova York, e marca a estreia de Rachel Rose na direção. Na trama, o público acompanha a história de uma mãe escritora que confronta sua falta de propósito criativo e embarca em uma jornada de redescoberta de si mesma após encontrar figuras de seu passado.

Fonte: Alô alô Bahia / Foto: Reprodução

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O sindicato dos atores de Hollywood, o SAG-AFTRA, anunciou na sexta (22) que seus membros ratificaram novos contratos com dubladores de desenhos animados para TV. O acordo aborda a inteligência artificial, preocupação que alimentou a greve de 118 dias dos atores no ano passado. Os profissionais temem que a IA os substitua em seus empregos.

Assim como aconteceu em relação aos live actions, o uso de IA não fica proibido, mas tenta-se evitar que as vozes dos atores sejam recriadas sem a sua permissão.
Embora os termos da animação sejam na maioria baseados no acordo que encerrou a greve, existem algumas diferenças. O SAG-AFTRA negociou que os dubladores de animação devem ser seres humanos, definição que não foi incluída no acordo para TV e teatro.

Essa brecha, aliás, foi fonte de controvérsia durante o processo de ratificação. O diretor executivo Duncan Crabtree-Ireland, principal negociador do sindicato, argumentou que definir os atores como seres humanos não seria uma proteção eficaz contra o uso indevido da IA. “O que você precisa é de proteção real contra o que essas empresas possam fazer”, disse.

No X, ex-Twitter, o sindicato se pronunciou após a ratificação: “‘Atores de voz’ incluem APENAS humanos nos novos acordos de animação para TV!”, escreveu a conta.

O acordo sobre as animações também inclui uma “taxa de sucesso” para os programas mais assistidos no streaming. No total, 95,5% dos membros do sindicato concordaram com o acordo, número significativamente alto se comparado aos 78% do acordo de TV e teatro assinado em dezembro de 2023.

Fonte: Notícias ao minuto / Foto: © Shutterstock

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JUAN SANGUINO – 17 JUL 2021 – 16:44 EDT

No segundo episódio de WandaVision (2021, Disney+), a super-heroína protagonista fica grávida depois de beijar seu marido. Com essa piada, a Marvel pretendia parodiar o moralismo das comédias da TV americana dos anos sessenta, cuja estética a série estava reproduzindo, mas a verdade é que esse beijo foi a coisa mais picante que ocorreu em toda a saga.

Na semana passada estreou (em cinemas e no Disney+) Viúva Negra, outro filme da Marvel, concentrado desta vez na personagem interpretada por Scarlett Johansson. Essa espiã russa está na franquia desde Homem de Ferro 2 (2010), e o curioso é que entrou na qualidade de componente erótico: tanto Tony Stark (Robert Downey Jr.) como seu assistente Happy (Jon Favreau) observavam Johansson com luxúria, comentavam o quanto era atraente e até buscavam na internet fotos dela de roupa íntima. Homem de Ferro 2 foi distribuído pela Paramount e, além disso, em uma Hollywood anterior ao movimento #MeToo. Quando a Disney absorveu a Marvel, em 2012, os Vingadores se tornaram um grupo celibatário. E não só eles. Os super-heróis no cinema atual não só não têm relações sexuais, como nem parecem sentir desejo.

Cineastas como David Cronenberg e Pedro Almodóvar lamentaram essa deserotização. “São feitos muitos filmes de super-heróis e não existe sexualidade neles. São castrados. Seu gênero é indeterminado, o que importa é a aventura. Mas o ser humano tem uma grande sexualidade”, assinalou Almodóvar durante uma palestra no Lincoln Center. Esse “gênero indeterminado” de que fala o diretor espanhol pode ser devido ao fato de que, para conseguir a igualdade entre homens e mulheres e evitar polêmicas a todo custo, a única ideia que a Marvel teve foi acabar com a libido de todos os seus super-heróis.

“Essa é a atitude geral que Hollywood adotou depois do #MeToo. Parece que não sabem dotar uma mulher de sexualidade sem humilhá-la, por isso optaram por dessexualizar todo mundo”, afirma a sexóloga Paula Álvarez. “É como se Hollywood tivesse colocado os personagens heterossexuais no armário. Em Modern family [série da rede ABC, também pertencente à Disney, transmitida entre 2009 e 2020], Mitch e Cam eram um casal homossexual, mas nunca se beijavam nem se acariciavam ou demonstravam carinho. Agora isso acontece com todos os personagens, tanto com os gays como com os heterossexuais.”

Nem sempre foi assim. Em Superman II (1980), Lois e Clark chegaram a transar na Fortaleza da Solidão. Em Batman: o Retorno (1992), Bruce Wayne e a Mulher-Gato canalizavam sua tensão sexual trocando tapas (e arranhões, chicotadas e lambidas). No Universo Cinematográfico da Marvel, inaugurado em 2008 com Homem de Ferro, as únicas alusões ao sexo o apresentam como algo perigoso (Hulk adverte duas mulheres, Betty Ross e a Viúva Negra, de que elas colocariam suas vidas em perigo se transassem com ele) ou como sintoma de infelicidade (Tony Stark vai para a cama com uma jornalista como sinal de sua imaturidade, Peter Quill faz o mesmo com uma extraterrestre rosa em Guardiões da Galáxia).

Com essa deserotização, na verdade, a Marvel não pretende proteger as crianças, e sim evitar represálias dos pais. O investimento exigido pelas superproduções implica abranger o maior público possível, de todas as idades e de todos os países. Isso inclui a China, hoje o maior mercado cinematográfico do mundo, no qual os filmes devem passar pelo crivo de um comitê censor do Governo.

O paradoxo é que, embora os super-heróis do cinema sejam menos sensuais do que nunca, suas estrelas são mais desejáveis do que nunca. Até os corpos de seus atores coadjuvantes estão trabalhados ao máximo. Chris Pratt e Paul Rudd compartilharam no Instagram o resultado de suas rotinas de exercícios para Guardiões da Galáxia e Homem-Formiga, respectivamente, embora depois aparecessem sem camisa por apenas alguns segundos no filme —e embora fosse de se esperar que seus personagens, ambos carinhas simpáticos sem nenhuma vaidade, tivessem uma certa barriguinha.

Os corpos de Pratt e Rudd foram tratados pela imprensa e pelos fãs como um fetiche mais admirável do que sexual. A Marvel renunciou ao sexo, mas não ao culto ao corpo: a Viúva Negra surgiu com as costas arqueadas nos cartazes promocionais e o Capitão América apareceu em Guerra civil treinando com uma calça de moletom tão agarrada às nádegas que ficou claro que não tinha nada por baixo. Mas o objetivo da Marvel parecia ser o de apresentar Chris Evans não como objeto de desejo sexual, e sim aspiracional. O interesse não é que o público se empolgue com a ideia de fazer sexo com eles, mas com a ideia de ser como eles.

Até pouco tempo atrás, o estúdio rival da Marvel, a DC, teve um diretor criativo, Zack Snyder, igualmente obcecado com a musculatura masculina: em seus filmes, Batman e Superman (Ben Affleck, Henry Cavill) eram vistos nus no chuveiro ou na banheira, mas não iam nem vinham de se deitar com ninguém. A câmera de Snyder não sente desejo, só inveja.

A jornalista Raquel S. Benedict, em seu ensaio Everyone Is Beautiful and No One Is Horny (“todo mundo é bonito e ninguém tem tesão”), compara os corpos musculosos da Hollywood atual, e de outras áreas da cultura, com casas projetadas para ser reformadas e se valorizar. “Os corpos já não são veículos para sentir prazer, são um conjunto de destaques: abdominais, abdutores. E esses destaques não existem para tornar nossa vida mais confortável, mas para aumentar o valor do nosso capital. Os corpos são investimentos que devemos otimizar para conseguir… o que, exatamente?”.

O corpo é tratado hoje como uma ferramenta de autoafirmação, prossegue Benedict, o que explica que a expressão “fazer exercícios” tenha sido substituída por “treinar”. Esse verbo sugere que existe uma missão: o esporte já não é um fim em si só, pelo prazer, mas um meio para conseguir algo mais. A jornalista vincula essa mentalidade às raízes culturais americanas: “Pode haver algo mais cruelmente puritano do que criar um ideal sexual que, por sua vez, deixa a pessoa incapaz de desfrutar do sexo?”.

Em sua análise da ausência de sexo no cinema comercial, Benedict aponta A origem (2010) como um dos exemplos mais absurdos. Sua trama segue um grupo de profissionais que se infiltra nos sonhos de um multimilionário para mudar seu comportamento: o filme consiste em tiros, carros e uma patrulha de esqui. “Como se pode entrar nos níveis mais profundos do subconsciente de um milionário e não encontrar um pesadelo psicossexual edipiano e depravado?”, pergunta a jornalista.

Nos anos setenta, Superman se mudava para Metrópolis e descobria o que era ser adulto: trabalho, solteirice, magnatas, moradia, crises econômicas, interesses políticos, dificuldade de viver em sociedade. Já quanto aos super-heróis da Marvel, a única coisa que eles têm de adultos é o fato de serem interpretados por atores com mais de 30 anos, mas para todos os efeitos são pré-adolescentes. A espinha dorsal da saga Vingadores, a jornada de Tony Stark, que deixa de ser um Don Juán dissoluto para se tornar um líder santificado, exigia que o herói renunciasse à vida sexual. O sexo na Marvel é sempre insano ou vergonhoso. O único sexo saudável parece ser o inexistente.

O caso do Capitão América leva isso ao limite: ele é diretamente virgem, talvez para evocar a dignidade do celibato monástico (que Christopher Nolan também sugeria em Batman Begins) ou para simbolizar esse ideal americano de ter tudo de melhor pela frente. O Capitão América observava sua amada, a agente Peggy Carter, com a mesma castidade platônica com que Petrarca adorava a donzela Laura. Só que Petrarca estava escrevendo no século XIV.

“Que o Capitão América seja virgem é uma ideia que vem da cultura judaico-cristã: ela o apresenta como um ser puro e luminoso, assim como é representado tradicionalmente Jesus Cristo”, assinala Paula Álvarez. “O sexo sempre atrapalha a missão do herói, como quando um jogador de futebol perde rendimento e a torcida culpa sua mulher ou sua namorada, achando que se o herói não vence é porque faz sexo e que deveria ter guardado toda a sua força para conseguir sua façanha. Com o personagem-título do Hércules da Disney acontecia a mesma coisa, ele passava de zero a herói, mas Mégara era a tentação, aquela que se interpunha entre ele, o heroísmo e a união com sua família no Olimpo.”

Muitos super-heróis atuais reformulam o mito americano do herói solitário (John Wayne, Dirty Harry, Rambo), aquele que abraçava o celibato por questões pragmáticas: se não havia mulher no meio, ele poderia se lançar em sua missão suicida sem distrações. Porque, como explicou D. H. Lawrence em Estudos sobre a literatura clássica americana, todos os guerreiros americanos descendem do Natty Bumppo de James Fenimore Cooper, uma figura de castidade implacável e violência justificada.

A única relação sexual retratada no cinema recente de super-heróis, a de Mulher-Maravilha 1984 (2020), provocou críticas na imprensa e nas redes sociais: a heroína transa com seu falecido namorado graças ao fato de ele ter ressuscitado e assumido o corpo de outro homem. Alguns espectadores viram isso como uma super-heroína abusando sexualmente daquele corpo inocente. Essa polêmica foi um dos fatores que fizeram o filme ser motivo de piada e deu razão à Marvel: na dúvida, é mais prudente eliminar totalmente o sexo.

E isso também afeta a vida real. Quando foram divulgadas, semanas atrás, fotografias do diretor de Thor: Love and Thunder, Taika Waititi, aos beijos com a atriz Tessa Thompson e com a cantora Rita Ora depois de uma noite de farra, sugerindo uma relação a três, a Disney os repreendeu para que parassem com isso. Uma fonte da equipe de filmagem afirmou: “Essa não é a imagem que [os produtores] procuram associar a uma de suas maiores franquias”. Sabemos disso.

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